O obrazie:
Wstęp: Po intensywnych emocjach związanych ze sceną namiętnego pocałunku w „Czuciu 1” i czułym połączeniu człowieka ze zwierzęciem w „Czuciu 2”, prezentowany teraz obraz koncentruje się na zmyśle dotyku, oferując widzowi niemal fizyczne odczucia. Wyróżnia się spośród poprzedników przede wszystkim skupieniem na fakturze i fragmentarycznym ujęciu, które prowokuje do sensualnej interpretacji.
Temat i Kompozycja: Tematem obrazu jest dłoń zanurzona w gęstym, puszystym, białym materiale, prawdopodobnie futrze. Kompozycja jest ciasna i kadrowana w taki sposób, aby maksymalnie zbliżyć widza do przedstawionej sceny, eliminując wszelkie zbędne elementy narracyjne.
Skupienie na detalu dłoni i otaczającej ją fakturze materiału sprawia, że obraz staje się bardziej studium sensorycznym, niż tradycyjnym portretem czy sceną rodzajową. Jest to intymne ujęcie, które podkreśla uniwersalność i znaczenie dotyku w ludzkim doświadczeniu. W kontekście całego cyklu “Czucie”, ten obraz stanowi bezpośrednią eksplorację jednego ze zmysłów, dopełniając wizualne i emocjonalne aspekty poprzednich prac.
Styl i Technika Malarska: Styl Klary Tomczak w „Czucie 3” charakteryzuje się połączeniem precyzyjnego realizmu w oddaniu ludzkiej skóry z niezwykle ekspresyjnym i fakturowym malarstwem w przedstawieniu białej materii. Dłoń jest namalowana z dużą dbałością o detale anatomiczne, subtelne cieniowanie i ciepłe odcienie cieliste, co nadaje jej miękkość i autentyczność. Kontrastuje to z wirtuozersko oddaną teksturą otaczającego materiału.
Paleta barwna jest stonowana, dominują biele, szarości i ciepłe brązy skóry, co pozwala w pełni wybrzmieć fakturze i dynamice ułożenia farby. W porównaniu do dynamicznych kontrastów i surrealistycznych akcentów zieleni z pozostałych obrazów serii, paleta „Czucia 3” jest bardziej monochromatyczna i skupiona na subtelnościach bieli i barw cielistych, co wzmacnia jego intymny i medytacyjny charakter.
Podsumowanie: „Czucie 3” to wyjątkowe dzieło „zmysłowe”, które świetnie eksploruje temat dotyku i faktury. Poprzez precyzyjny realizm dłoni i przemyślane, dobre technicznie zastosowanie impasto w przedstawieniu puszystego materiału, artystka tworzy obraz, który niemal wywołuje fizyczne odczucia u widza. Jest to intymne i kontemplacyjne dzieło, które w kontekście całego cyklu „Czucie” stanowi głębokie zanurzenie w jeden z najbardziej pierwotnych zmysłów, oferując chwilę ukojenia i estetycznej przyjemności.
O temacie obrazu: studium detalu
W świecie sztuki, gdzie często spotykamy panoramiczne pejzaże i rozbudowane narracje, studium detalu stanowi fascynujące przeciwieństwo. To wybór artysty, by przybliżyć, powiększyć i wyizolować fragment rzeczywistości – twarzy, ciała, przedmiotu czy faktury – zmuszając widza do koncentracji na tym, co zwykle umyka w ogólnym spojrzeniu.
Taka mikroskala nie jest jednak pomniejszeniem, lecz intensyfikacją. Ograniczając perspektywę, malarz paradoksalnie otwiera drzwi do głębszego poznania tematu, pozwalając na dostrzeżenie subtelności i niuansów. Każdy wyizolowany fragment – czy to usta, oko, czy dłoń – przestaje być tylko częścią większej całości, a zaczyna żyć własnym życiem, rezonując z pierwotnymi zmysłami i wywołując silne, bezpośrednie skojarzenia.
To właśnie w detalu tkwi siła emocjonalnego przekazu, zdolna do wzbudzenia empatii, fascynacji czy nawet subtelnego niepokoju, czyniąc go nie tylko elementem kompozycji, ale autonomicznym centrum uwagi.
O technice: farba olejna na płótnie
Malarstwo olejne to prawdziwa królowa wśród technik malarskich, fascynująca artystów i koneserów sztuki od wieków. Jej historia sięga wczesnego renesansu, a przez stulecia ewoluowała, dając początek niezliczonym arcydziełom, które do dziś zachwycają głębią barw i maestrią wykonania.
Charakterystyczne cechy farby olejnej to przede wszystkim długi czas schnięcia, co pozwala na swobodne mieszanie barw bezpośrednio na płótnie, tworzenie płynnych przejść tonalnych (sfumato) oraz nakładanie wielu warstw (laserunków). Dzięki temu uzyskuje się głębię kolorów, intensywny połysk i trójwymiarowość, a także możliwość korekt i precyzyjnego modelowania formy. Wysoka trwałość i odporność na upływ czasu sprawiły, że obrazy olejne przetrwały wieki, zachowując swój pierwotny blask.
O artystce:
Klara Kaczyńska (ur. 1997 r.) jest artystką wizualną. W 2024 roku ukończyła warszawską Akademię Sztuk Pięknych na wydziale Malarstwa. Absolwentka studium charakteryzacji Studio Sztuki (2016 – 2018). W latach 2021-2022 uczestniczka wymiany Erasmus+ na The Royal Danish Academy of Fine Arts w Kopenhadze.
Specjalizuje się w malarstwie, charakteryzacji oraz formach przestrzennych. Jej twórczość odzwierciedla i angażuje widza w refleksję nad aktualnymi problemami i wyzwaniami naszej rzeczywistości. Analizuje wpływ presji społecznej i przemian cywilizacyjnych na nasze życie.
Szczególną uwagę poświęca relacji między człowiekiem a naturą. W 2021 roku wystawiła swoją instalację w parku Ørestad w Kopenhadze w ramach projektu KIMEN. Rok później otrzymała wyróżnienie specjalne za pracę stworzoną podczas 15. Międzynarodowego Pleneru „W synergii z naturą – fraktale, labirynty, spirale”, organizowanym przez MSK Polesie.
Zawodowo realizuje się jako charakteryzatorka, współpracując przy różnorodnych projektach telewizyjnych, filmowych i reklamowych. Więcej informacji o artystce oraz jej pozostałe prace dostępne w Galerii Wiele Sztuki znajdziesz tutaj.
Chcesz kupić obraz, ale obawiasz się, że nie będzie pasował do wystroju? Wyślij nam e-mailem zdjęcie swojej ściany, na której chciał byś by wisiała praca, a my odeślemy Ci wizualizację obrazu w Twoim wnętrzu. Więcej informacji w zakładce Obrazy na ścianę.
