O obrazie:
Obraz „Kolce pamięci umierające wewnętrzne worki niepamięci” to dzieło o niezwykłej gęstości znaczeniowej, stanowiące dojrzałą kontynuację dialogu o naturze ludzkich wspomnień. Brak interpunkcji w tytule to celowy gest artystyczny, odzwierciedlający nieprzerwany strumień podświadomości, w którym granica między tym, co zapamiętane, a tym, co wyparte, ulega całkowitemu zatarciu.
Wizualna konstrukcja pracy prowokuje do śmiałej, surrealistycznej interpretacji. Ciemne, lśniące krople, które miękko spływają i przewieszają się na cierniach oraz błękitnych obiektach, ideowo nawiązują do słynnych „miękkich zegarów” Salvadora Dalego. Podobnie jak u hiszpańskiego mistrza, owa plastyczność materii jest tu kluczem do zrozumienia roli czasu. W dialogu między pamiętaniem a zapominaniem czas nie jest linią, lecz substancją, która potrafi się „roztapiać” lub „zastygać” w bolesnych powidokach.
O temacie: Fenomenologia martwej natury
Martwa natura to jeden z najbardziej fascynujących i odpornych na upływ czasu gatunków malarskich, którego istotą jest kontemplacja przedmiotów nieożywionych. Przez wieki gatunek ten ewoluował: od antycznych mozaik, przez rygorystyczne studia tekstur i światła w baroku, aż po modernistyczną redukcję formy. Martwa natura to nie tylko zapis wyglądu rzeczy, ale przede wszystkim sposób na zatrzymanie czasu i nadanie przedmiotom znaczeń wykraczających poza ich funkcję użytkową.
W sztuce współczesnej gatunek ten uległ radykalnemu przeobrażeniu, wyodrębniając nurty takie jak martwa natura egzystencjalna czy konceptualna. Twórcy sięgają po nią tak chętnie, ponieważ oferuje ona bezpieczną, laboratoryjną przestrzeń do badania skomplikowanych idei. Przedmiot w martwej naturze jest „posłuszny” – można go wyizolować, zniekształcić lub zestawić w surrealistyczny sposób, aby opowiedzieć o lęku, pamięci czy tożsamości. Dzisiejsza martwa natura nie szuka już odpowiedzi na pytanie „jak przedmiot wygląda”, lecz „co ten przedmiot o nas mówi”, stając się autonomicznym językiem opisu ludzkiego wnętrza.
O technice: Technika mieszana: farba olejna i akrylowa na sklejce
Zastosowanie techniki mieszanej na podłożu drewnopochodnym (sklejce) to wyraz poszukiwania przez artystę sztywności i stabilności, której nie oferuje elastyczne płótno. Sklejka, jako materiał odporny na odkształcenia, pozwala na stosowanie bardziej inwazyjnych metod nakładania farby i jednocześnie uzyskanie idealnie gładkich płaszczyzn.
Z kolei łączenie ze sobą farb olejnych i akrylowych otwiera przed malarzem szerokie pole do eksperymentów z fakturą i efektem połysku. Akryle, z ich często matowym wykończeniem po wyschnięciu, mogą stanowić solidną, szybkoschnącą podbudowę (podmalówkę) dla późniejszych warstw. Na nią nakłada się farby olejne, które naturalnie charakteryzują się satynowym lub intensywnym połyskiem, w zależności od spoiwa. Ta kombinacja pozwala na świadome budowanie kontrastów powierzchniowych, tworząc dynamiczne kompozycje, gdzie matowe fragmenty akcentują błyszczące elementy olejne, dodając obrazowi głębi i trójwymiarowości.
Podobnie jak w przypadku obrazów namalowanych na płótnie, również obrazy na podłożu drewnopodobnym należy po całkowitym wyschnięciu zabezpieczyć ochronnym werniksem.
O artyście
Zbigniew Olszyna (ur. 1980), wszechstronny artysta wizualny: malarz, rysownik, fotograf oraz doświadczony kurator wystaw. Absolwent Wydziału Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi, gdzie w 2007 roku obronił z wyróżnieniem dyplom w pracowni fotografii. Tworzy i mieszka w Łodzi, aktywnie współkształtując tamtejszą scenę artystyczną, m.in. jako współzałożyciel Galerii S35 oraz współorganizator Festiwalu Sztuki Współczesnej „Pulsowanie codzienności”.
Artysta operuje charakterystycznym, wyrafinowanym kodem wizualnym, w którym autorski symbolizm i wielowarstwowa metafora przeplatają się z subtelnym humorem oraz niejednoznacznym klimatem. Tak skonstruowana narracja nie narzuca widzowi gotowych interpretacji, lecz zaprasza do samodzielnej wiwisekcji znaczeń w gąszczu osobistych mitologii twórcy, czyniąc z każdego obrazu intymny wgląd w mechanizmy pamięci i wyobraźni.
Prace Zbigniewa Olszyny znajdują się w kolekcjach prywatnych oraz w zbiorach instytucjonalnych w kraju i za granicą, w tym w prestiżowym Muzeum Marka Rothko w Dyneburgu na Łotwie. Więcej o artyście i jego twórczości przeczytasz tutaj.
Więcej informacji o artyście oraz jego pozostałe prace dostępne w Galerii Wiele Sztuki znajdziesz tutaj.
Wizualizacja obrazów
Chcesz kupić obraz, ale obawiasz się, że nie będzie pasował do wystroju? Wyślij nam e-mailem zdjęcie swojej ściany, na której chciał byś by wisiała praca, a my odeślemy Ci wizualizację obrazu w Twoim wnętrzu. Więcej informacji w zakładce Obrazy na ścianę.
